Quelles sont les traces produites par la danse ? Quel « patrimoine » en garde-t-on et qu’en est-il des archives que ses acteurs nous laissent ? C’est une approche pragmatique des questions soulevées par les enjeux de la « mémoire de la danse » que propose ce livre, à partir de l’expérience de la constitution depuis 25 ans, au Centre national de la danse (CND), d’un patrimoine documentaire tout entier consacré à cet art.

European Drama and Performance Studies est une revue consacrée à l'histoire des arts du spectacle.

Les numéros thématiques sont publiés en français et/ou en anglais.

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Un jeu de carte conçu par Chloé Déchery et Marion Boudier, en collaboration avec l'illustrateur Éric Valette, pour contribuer au développement d'une « culture du retour » dans les milieux de la création, de la diffusion et de l'enseignement artistique.

La bourrée du Berry tient une place importante dans le répertoire actuel du bal folk. Mais que sait-on de sa provenance et des renouvellements qui ont pu l’affecter au fil du temps ? C’est à de telles questions que tentent de répondre, en conjuguant leurs compétences respectives, les trois auteurs de cet ouvrage, héritiers des recherches de leurs parents, Pierre Panis et Jean-Michel Guilcher.

Contre l’idée reçue selon laquelle la danse classique ne crée rien de neuf entre le XX^e et le XXI^e siècle, nous soutenons dans cet ouvrage qu’une création classique se fait jour, notamment grâce au recours à la littérature. Sur cette période, à côté de célèbres reprises de Giselle, Cendrillon ou Roméo et Juliette, si courues du public, une autre danse classique s’invente.

Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, le ballet classique domine dans une Europe en ruines : les mouvances de la danse moderne entrent en crise et, pour un moment, le ballet monopolise l’idée de la modernité en danse.

Aujourd’hui la « danse contemporaine » est partout. Elle rayonne sur les scènes et sous les aspects les plus divers. À ses côtés la « danse classique » semble cantonnée pour l’essentiel aux maisons d’opéra et aux cours privés. Il y a cinquante ans à peine, le rapport de force était tout autre.

Face à leurs parcours riches de questionnements, Johanna Bienaise et Manon Levac ont souhaité, au cours des dernières années, mieux saisir les enjeux de leur engagement dans la formation en danse. Cet ouvrage collectif est le fruit de plusieurs travaux de recherche, qui entrent ici en dialogue, offrant des réflexions fécondes pour les artistes de la danse (interprètes, enseignants, enseignantes, chorégraphes) et les aspirants danseurs et danseuses.

« Si je ne peux pas danser, ce n’est pas ma révolution. » Cette phrase attribuée à Emma Goldman, dont l’un des camarades de lutte exigeait qu’elle cesse de danser, au motif qu’une activiste ne serait plus crédible si elle affichait sa passion pour la danse, résonne avec nombre de mobilisations sociales des dernières années, marquées par des danses et, plus largement, par des gestes expressifs, circulant parfois sur plusieurs continents.

Lorsque Francine Lancelot découvre la « danse libre » héritée d’Isadora Duncan ; elle décide d’en faire son métier. Son appétit à découvrir est immense ; elle se forme en danse moderne et classique, yoga, mime, acrobatie. Plus inhabituel, elle s’initie à la notation de la danse selon le système inventé par Pierre Conté en 1931. Puis la découverte des danses traditionnelles collectives la touche en plein cœur.

À la fin des années 1950, dans la ville de Cali, Ofelia Betancourt et Darío Arboleda commencent une activité professionnelle fondée sur l’interprétation des danses folkloriques de la Colombie (bambuco, cumbia, joropo, entre autres). En tant que travailleurs de l’entertainment, leur répertoire s’enrichit pendant une tournée sud-américaine (1959-1963) qui les amène en Équateur, au Pérou, en Argentine, en Uruguay et au Brésil.